Alguns cineastas são mestres técnicos, capazes de construir configurações de outro mundo através de narrativas inteligentes e precisão. Outros são magistrais em desenvolver dramas complexos e cenas de ação elaboradas para o máximo de suspense. Em seguida, há os cineastas que se especializam em extrair desempenhos excelentes de seus atores, o “diretor do ator”, como às vezes é conhecido. O sensacional Paul Thomas Anderson se enquadra firmemente neste campo.
Ao longo de nove filmes, Paul Thomas Anderson ajudou a criar alguns dos personagens mais impressionantes do cinema contemporâneo dos anos 1990 e 2000. Essas performances variam de nítidas e cômicas a camadas trágicas, mas mantêm a humanidade inebriante e crucial, não importa o tom. Não há caricaturas nos filmes do diretor, apenas pessoas lidando com a farsa da vida à sua maneira farsesca.
O mais recente do cineasta, Licorice Pizza está sendo exibido nos cinemas de todo o mundo. Então achei que seria o momento perfeito para eleger meus sete personagens favoritos da filmografia seletíssima do grande Paul Thomas Anderson.
Confira os melhores personagens de Paul Thomas Anderson
Daniel Plainview, de Sangre Negro (2007)
O ex-ator britânico Daniel Day-Lewis é frequentemente citado como o maior ator de todos os tempos. É o único na história a ganhar três estatuetas de Melhor Ator no Oscar, respectivamente, nas edições de 1990, 2008 e 2013.
Certamente, sua atuação mais extraordinária de todos os tempos vem em Sangue Negro, de Anderson. Ele engole o quadro como Daniel Plainview, um petroleiro da virada do século que tem uma tendência perversa que rivaliza com a do próprio diabo. A transformação do papel é notável, desde o andar largo de Plainview até a voz de barítono que foi modelada em um dos ídolos da direção de Anderson, John Huston (1906-1987).
Em termos de estudos de personagens, Sangue Negro dá mais foco a uma única pessoa do que qualquer outro filme de Anderson, e Day-Lewis faz o tempo na tela contar. É impossível tirar os olhos dele, esteja ele rastejando pelo deserto da Califórnia com uma perna quebrada ou renegando seu filho adotivo por causa de sua deficiência. Um monstro de filme. O filme rendeu a segunda estatueta de Melhor Ator para Day-Lewis.
Freddie Quell, de O Mestre (2012)
O fim do relacionamento de trabalho de Anderson com Philip Seymour Hoffman (1967-2014) foi paralelo ao início de seu relacionamento com Joaquin Phoenix. O ator estava saindo de um período bizarro e altamente divulgado em que “saiu” de Hollywood para fazer rap (uma piada que mais tarde serviu de base para o documentário fictício I’m Still Here).
Nisso, O Mestre foi uma espécie de oportunidade de retorno. Isso não apenas lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator, mas foi classificado para muitos como o desempenho definitivo da Fênix, antes de sua personificação grandiosa do ícone do Coringa – papel que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator.
Phoenix é absolutamente hipnotizante como Freddie Quell, o veterano problemático que procura um significado. O ator desaparece na fisicalidade macilenta de Freddie, e as trocas entre ele e Lancaster (o processamento e as cenas da prisão, em particular) crepitam com um tipo de intimidade intensa que a maioria dos dramas jamais ousaria tentar. Parece menos uma performance e mais uma força primária sendo capturada em um filme de 70 mm.
Frank T.J. Mackey, de Magnolia (1999)
Tom Cruise passou tanto tempo como o ator ousado por trás da franquia Missão: Impossível que pode ser fácil ignorar o quão atraente ele pode ser quando é forçado a confiar em sua atuação dramática.
Magnolia é o marco zero quando se trata de mudar a opinião de que Cruise não é o verdadeiro negócio, já que o astro do cinema se inclina para suas tendências maníacas e faz uma performance viva como o guru sexual de autoajuda Frank TJ Mackie.
Suas cenas compõem a maioria dos momentos icônicos do filme, do seminário de abertura de Mackie à reconciliação emocionalmente devastadora entre ele e seu pai (Jason Robards (1922-2000).
É aqui, em uma tomada tensa e praticamente ininterrupta, que o ator abandona seu artifício e deixa transparecer a dor real (o paralelo entre o relacionamento de Cruise com seu pai e o de Mackie é habilmente detalhado no livro de Amy Nicholson “Tom Cruise: Anatomy of an Actor”). É um momento inesquecível. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.
Jack Horner, de Boogie Nights – Prazer Sem Limites (1997)
Burt Reynolds (1936-2018) e Anderson tinham um relacionamento complicado. Eles não se deram bem durante a produção de Boogie Nights, e o ator chegou a demitir seu agente depois que o filme foi concluído. Houve até rumores de que eles desistiram no set do épico pornô dos anos 70, embora os dois negassem isso anos depois.
Entretanto, a tensão não inibiu o trabalho, e Reynolds foi legitimamente indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por sua vez como diretor pornô Jack Horner. O elenco estrelar não pode ser esquecido, elenco formado por nomes como Mark Wahlberg, Julianne Moore, Don Cheadle, John C. Reilly, William H. Macy, Ricky Jay (1946-2018), Alfred Molina, Philip Seymour Hoffman (1967-2014) e Philip Baker Hall. Reynolds transcende essa trupe com uma performance emocionante e sem esforço – atrevo-me a dizer que foi seu melhor desempenho.
Amber Waves, de Boogie Nights – Prazer Sem Limites (1997)
Julianne Moore foi uma peça central no repertório de atuação Andersonian do final dos anos 90, e sua atuação em Boogie Nights é um exemplo perfeito disso. Como Amber Waves, a mãe dos desajustados e das atrizes pornôs, ela conseguiu encontrar um equilíbrio complicado entre sabedoria e falibilidade. Ela guiou seus colegas mais jovens pela indústria, mesmo com sua vida pessoal caindo aos pedaços nos bastidores.
Veja, por exemplo, a cena em que Amber luta pela custódia do filho. Moore fica mais quieta à medida que se torna aparente que sua personagem vai perder, e o silêncio aumenta para um nível febril antes do corte violento para seus soluços do lado de fora do tribunal.
Enquanto a maioria dos personagens de Paul Thomas Anderson recorrem a monólogos apaixonados para desabafar sua frustração (algo que Moore acertaria em Magnolia), é uma prova de seu talento que ela pode fazer a mesma coisa com alguns olhares. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante a primeira de cinco.
Peggy Dodd, de O Mestre (2012)
Em comparação com suas performances coloridas em Trapaça (2013) e Vice (2018), a virada de Amy Adams como Peggy Dodd, a espinha dorsal furtiva de O Mestre, pode parecer desinteressante.
No entanto, quanto mais se revisita o filme, mais objetivas aparecem a contenção e a precisão. Adams é ao mesmo tempo reconfortante e aterrorizante como Peggy, uma mulher que empurra seu marido impetuoso para o primeiro plano enquanto puxa seus cordelinhos sem esforço atrás de portas fechadas.
Muitos dos personagens de Anderson carregam suas emoções na manga, então o fato de nunca termos uma compreensão sólida das intenções de Peggy torna sua presença ainda mais tentadora. Com seus olhos azuis de aço cortando a insegurança de seus colegas. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante a quarta de suas seis indicações.
Lancaster Dodd, de O Mestre (2012)
Philip Seymour Hoffman (1967-2014) foi o colaborador mais significativo de Anderson. Eles eram melhores amigos fora das telas, e poucos diretores foram capazes de utilizar a imprevisibilidade de Hoffman nas telas tão bem quanto o Anderson.
O Mestre acabou sendo sua quinta e última colaboração, e embora as circunstâncias em torno da morte de Hoffman sejam totalmente trágicas, eles não poderiam ter nos dado uma despedida melhor.
Hoffman é a encarnação do carisma como Lancaster Dodd, o líder de um grupo religioso conhecido como “A Causa”. O personagem é baseado de forma transparente no fundador da Cientologia L. Ron Hubbard (1911-1986), mas Hoffman modelou seu desempenho em outro (autoproclamado) charlatão, Orson Welles (1915-1985), e os resultados são mágicos.
Aqui está um homem que se entregou ao regimento e à estrutura, apenas para se apaixonar pela liberdade crua de um de seus alunos. Sua versão de “On a Slow Boat to China” é um dos momentos mais tristes e emocionantes de qualquer filme de Anderson, especialmente quando você considera o que Hoffman significava para o diretor. Isso me sufoca o tempo todo. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante a quarta de quatro indicações.
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